Mi sueño para el teatro pospandémico: deshacerse del modelo de suscripción



Nadie podría haber predicho un año como 2020. Cuando me pidieron que participara en un panel de UCLA sobre el futuro del teatro, supe que debía darle a Zoom un sentido de ironía, si no de humildad.

Las vacunas se están cargando en camiones, pero es poco probable que el teatro se reanude en el interior hasta septiembre. E incluso entonces, no estamos seguros de que sigamos usando máscaras y de que se requiera distanciamiento.

Probablemente pasará otro año antes de que se reanuden los viejos hábitos teatrales a medida que la confianza en la seguridad de las reuniones públicas regresa lentamente. El impacto económico es devastador, pero ¿podría producirse una renovación artística de los escombros?

Al preparar mis observaciones sobre la dimisión del Comedia Mesa redonda: para un teatro del futuro – – El primero En dos sesiones organizadas por la profesora de UCLA Barbara Fuchs que contó con directores de teatro, artistas y académicos clave de Los Ángeles, asumí que volver a los negocios no era el objetivo final.

Incluso antes de la pandemia, el modelo económico del teatro se rompió. Nuestros teatros residentes, las organizaciones sin fines de lucro que forman la base nacional de la forma de arte, nacieron en un paisaje cultural que es drásticamente diferente al actual.

Una forma importante en la que este panorama ha cambiado es en el mercado de la atención. Nuestro acceso a las artes y el entretenimiento no solo ha crecido exponencialmente, sino que ahora todos disfrutamos del papel de curador que controla no solo lo que vemos, sino cómo y cuándo lo vemos.

Los efectos de esto han sido profundos en términos de lealtad institucional. Los visitantes del teatro a los que se dirige en el lenguaje del marketing se ven a sí mismos como clientes.

Comprar una entrada única para una actuación es patrocinio sin asistencia, presencia sin sentido de pertenencia. Lo que falta es una obligación. Asistir al teatro en la superficie puede parecer otro placer de entretenimiento, pero en esencia es una expresión de un compromiso con una comunidad de valores.

La edad de oro en el teatro no es solo una coincidencia de nacimientos felices como Esquilo, Sófocles y Eurípides o Marlowe, Shakespeare y Ben Jonson. La edad de oro pasa por un círculo de públicos, artistas e instituciones. Los tres elementos deben estar presentes para que florezca el escenario.

Cómo lograr que los espectadores vuelvan a invertir después de una pausa tan larga es la pregunta emergente. Para algunos, será bastante difícil acostumbrarse al tráfico, el horario escolar y de oficina, y las celebraciones familiares regulares, ya sea que conduzcan o no al centro de la ciudad al centro de música los días de semana. Por mucho que me pierda mis salidas en el Ahmanson Theatre, la idea de luchar contra la hora punta para poner una cortina a las 8 p.m. me produce un ligero trastorno de estrés postraumático.

He escuchado repetidamente de productores y directores artísticos que los eventos son lo que atrae al público de Los Ángeles. Si quieren volver a su automóvil y deshacerse de sus televisores inteligentes, casi necesitan una garantía de que están experimentando algo especial, algo que no estaría disponible en otros lugares.

Los hábitos que apenas eran habituales al principio no se reinician automáticamente. La ausencia puede hacer que el corazón lata más rápido, pero el embarazo prolongado disminuye el interés. En la primera fase de recuperación de este trastorno prolongado, habrá muchos que no puedan esperar para volver a sentarse en sus incómodos asientos del teatro. Pero un grupo más grande necesita incentivos adicionales para regresar.

El atractivo estándar (otro espectáculo inflado de Broadway, Celebrity Vehicle # 1.249, mucha seriedad) probablemente no lo logrará. La convención de una temporada de obras de teatro y musicales presentados en una línea de tiempo administrativa se convirtió en un vestigio de una época pasada incluso antes de que cerraran los teatros.

En un ensayo emocionante y honesto para el New York Times sobre el futuro del negocio de los restaurantes, la cocinera, restauradora y escritora Gabrielle Hamilton reflexiona sobre un ritual que no parece encontrar demasiado infeliz para terminar:

Y Dios, el brunch, el brunch. El teléfono fue sacado para que cada panqueque y Bloody Mary pudieran ser fotografiados e instalados en Instagram. El tipo que entra y no se quita las gafas de sol mientras le tiende dos dedos a mi anfitriona sin decir una palabra: quiere una mesa para dos. Los perros falderos de raza pura ahora se hicieron pasar como animales de servicio para disipar los temores que podrían surgir al comer huevos benedictinos un domingo por la tarde. Quiero que la chica que llamó el primer día de nuestro mandato vuelva a llamar, en cualquier mes, cuando los restaurantes puedan reabrir, para poder decirle con alegría y sinceridad: No. No estamos abiertos para el brunch. No hay más brunch.

Ojalá un director de arte anunciara el programa de fin de temporada, este cálculo de Anodyne destinado a abordar una base de suscriptores cada vez menor. La población blanca de mayor edad ha sido durante mucho tiempo la columna vertebral económica del teatro estadounidense. Sin embargo, por razones financieras, culturales y democráticas, el futuro depende de un abrazo más amplio.

Las empresas que no tienen un lugar y, por lo tanto, no están cargadas con gastos generales importantes, pueden tener la ventaja de atraer a los asistentes al teatro reacios y convertir a otros nuevos. El trabajo que no se encuentra en otros lugares, diseñado no para el mercado general sino para comunidades específicas, proporciona un incentivo único.

En el teatro de un futuro no muy lejano, las empresas que anteponen los imperativos artísticos a las obligaciones institucionales están mejor posicionadas para llegar a nuevos públicos. Si eso significa menos ofertas y de mayor calidad, creo que el compromiso será bienvenido. ¿Por qué las artes deberían seguir la locura del resto de la economía para adorar un PIB en constante expansión? Los días del teatro de planes de negocios se acabaron.

La palabra «Comedia», que recuerda la gloriosa mezcla de tragedia y comedia en el Siglo de Oro español, invitó a los panelistas de UCLA a reflexionar sobre cómo los clásicos mundiales encajan en su visión del futuro teatral. Las empresas que es más probable que busque son las que no están atadas a horarios institucionales, pero que pueden tardar tanto en descubrir una nueva vida en Lope de Vega, Shakespeare y Lorraine Hansberry.

Revivir a Eugene O’Neill, Thornton Wilder y David Mamet en la línea de montaje no parece valer la pena en este momento. Por otro lado, es más probable que las producciones que no se ocupen en espacios preexistentes o que se apresuren a cumplir plazos artificiales o vuelvan a los mismos títulos antiguos representen a los distraídos, aversos y descontentos.

Para redescubrir a aquellos que se han sentido cómodos al experimentar el escenario en sus pantallas, la actuación personal debe aprovechar el poder inherente de la vitalidad. La relación entre actor y público no puede ser una ocurrencia tardía. Los profesionales del teatro tienen que preguntarse constantemente qué hace que su forma de arte sea diferente de los medios tecnológicos. La cuestión ya no se puede pasar a las vanguardias.

Una producción que ha encontrado su propósito y ritmo hará que la próxima invitación de un teatro sea aún más deseable. Las empresas que construyen integridad al tratar a sus artistas como parte de una misión colaborativa, en lugar de trabajadores unidireccionales, tienen más probabilidades de establecer una buena voluntad compartida, algo que no se puede poner a precio.

Mi visión puede parecer utópica, pero el Foundry Theatre, que duró 25 años en Nueva York, y la industria que aún se mantiene fuerte en Los Ángeles, han demostrado que es posible ganar apoyo de esta manera. Su modelo independiente no será reproducible en gran medida en un teatro estadounidense gobernado por juntas directivas y cárteles de inversores. Pero después de una pausa sin precedentes, incluso las organizaciones tradicionales tienen que repensar los rígidos formatos en los que producen.

La ubicación de un teatro tiene enormes ventajas, pero la flexibilidad no es una de ellas. André Gregory, que trabajó con un grupo ad hoc de artistas, pasó años explorando «Uncle Vanya» de Chéjov y «Builder» de Ibsen antes de sacar a la luz los resultados de su conjunto. Tenía una fortuna familiar a la que apoyarse, pero ¿cómo podían las corporaciones estadounidenses encontrar más de tres o cuatro semanas de ensayo para una pieza tan monumental como King Lear?

A medida que te acercas a los clásicos, debes unir el vocabulario teatral y la gramática. Aplanar el repertorio de la literatura dramática para acomodar un estilo de juego de realismo amigable con la televisión, una rutina en el teatro estadounidense, significa dejar obsoletos tanto el pasado como el presente.

El encuentro de la estética clásica y contemporánea requiere no solo habilidades técnicas cultivadas sino también un temperamento pionero. No solo se investiga el arte escénico, sino también la interpretación y el significado del teatro.

Cuando se trata de piezas de épocas anteriores, es inevitable un conflicto de valores. Para el trabajo que puede no estar en línea con la moral política actual, debemos encontrar la manera de conciliar la crítica y el aprecio.

Por equilibrio no me refiero a una suspensión, sino a una aceptación de la contradicción. Las obras que pueden tener efectos retrógrados también pueden ser radicales. El teatro, construido sobre una dialéctica caótica, es resistente a la ideología. La fase en la que muere el dogma no pretende reforzar el sesgo afirmativo.

La política de género de «La Oresteia» de Esquilo puede parecernos anticuada. Pero el paso de la trilogía de la justicia de represalia a algo más democrático sigue siendo evidente, si tan solo estamos dispuestos a descubrir qué acecha debajo de la superficie ofensiva.

Para desbloquear los tesoros de estas piezas, necesitamos flexibilidad en términos de horario, espacio y, quizás lo más importante, ingenio. El teatro del futuro debería ser un lugar donde se puedan considerar las certezas, de manera colectiva, crítica y compasiva. Nuestras suposiciones sobre el arte y su lugar en nuestras vidas deben ser parte de este reexamen.

«Resituación de la Mesa Redonda de Comedia: Por un Teatro del Futuro, Parte II» tendrá lugar el 15 de enero. Este evento es gratuito, pero debe registrarse con anticipación.

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