Cómo «desactivación» se convirtió en la palabra de moda para el museo 2020


Parte de una serie de fin de año que revisa algunos de nuestros artículos de arte favoritos del año.

Para el mundo del arte, 2020 fue el año en que el movimiento Black Lives Matter impulsó una conversación más profunda sobre la inclusión y la justicia, lo que finalmente llevó a que algunos museos vendieran obras de ciertos artistas, generalmente blancos, a menudo hombres, aparentemente para sus colecciones permanentes. diversificar.

Si bien la desactivación de los objetos de colección no es infrecuente, los museos en el pasado han seguido pautas éticas y solo han utilizado el proceso cuando el arte se ha dañado, se ha descubierto que es falso o cuando ya no se ajusta a su misión. Pero luego vino COVID-19.

Los museos se han visto sometidos a una fuerte presión financiera debido a los cierres relacionados con las pandemias. En abril, la Assn. los directores del museo de arte aprobó una resolución La declaración no culparía a los museos que utilizan los fondos de desactivación para gastos operativos generales o mantenimiento de la colección. Siguieron una serie de subastas de alto perfil, así como preguntas sobre si algunas instituciones estaban utilizando la pandemia como excusa para vender obras y solucionar problemas presupuestarios a largo plazo.

Jackson Pollocks "Composición roja (pintura 1946)," Óleo sobre masonita

«Composición roja (pintura de 1946)» de Jackson Pollock, óleo sobre masonita, 19,25 «por 23,25».

(Christie)

El Museo Everson de Syracuse, Nueva York, subastó la «Composición roja» de Jackson Pollock de 1946, conocida como la segunda incursión del expresionista abstracto en la técnica del goteo por la que es más conocido. Aunque la pintura estaba valorada en $ 18 millones, se vendió a un postor anónimo por $ 12 millones en una subasta de Christie’s el 6 de octubre.

En uno (n Preguntas frecuentes publicadas en el sitio web del museoLas ganancias de la venta se utilizarán, según Everson, para «crear un fondo para la adquisición de obras de artistas del color y otros artistas subrepresentados», así como para el mantenimiento directo de la colección del museo de más de 10,000 obras.

Los críticos reprendieron al museo con la decisión de desprenderse de la obra de importancia histórica a pesar de la intención declarada. «El objetivo de diversificar los patrones patriarcales blancos del coleccionismo de arte en museos es muy importante», escribió. El crítico de arte del Times Christopher Knight. “Este tipo de solución rápida refuta la seriedad. No sólo el fin no justifica los medios, estos procesos hacen un daño real. «

Respondiendo a críticas como Knight, Jessica Arb Danial, presidenta de la Junta Directiva de Everson, escribió un artículo en el periódico de arte defender la venta. «Estamos construyendo lentamente una colección que es relevante para nuestra comunidad, con arte que es representativo, inspirador y más actual que nunca, un logro que para mí es más grande que cualquier pieza individual de la colección», dijo.

Un representante del museo le dijo al Times por correo electrónico que las ganancias del fondo no se gastarían hasta finales de 2021. sin embargo, adquisiciones recientes reflejan el compromiso del museo de ampliar el alcance de su colección. La lista incluye trabajos de Sharif Bey, Ellen Blalock y Ellen Lesperance, así como un tótem de tela del artista de Los Ángeles Shinique Smith que fue aprobado la semana pasada.

«Esperamos que los fondos generen aproximadamente entre 450.000 y 500.000 dólares anuales, que se dividirán entre adquisiciones y costos directos de mantenimiento. Sin embargo, esto debe ser aprobado por nuestro comité de finanzas», dijo el representante.

El Museo de Arte de Palm Springs levantó las cejas cuando, en 1979, Helen Frankenthaler colocó un gigantesco lienzo titulado «Carrusel». La obra fue vendida a un postor anónimo en una subasta de Sotheby’s el 28 de octubre por $ 3.9 millones, una estimación de $ 2.5 a $ 3.5 millones.

Un representante del museo envió un correo electrónico diciendo que una «pequeña parte» de las ganancias de la venta se utilizaría para mantener la colección, y el resto iría al Fondo de Adquisiciones de Arte Steve Chase, que lleva el nombre del difunto diseñador de interiores. quien donó el trabajo. El Museo de Palm Springs está luchando para cubrir los costos operativos ya que los cierres se han extendido durante meses.

«Con COVID-19 lo pasamos muy mal, sobre todo no tanto con la filantropía, sino principalmente porque no tenemos forma de generar ingresos a través de la entrada, el alquiler de instalaciones, las actividades del Teatro Annenberg, la tienda y el restaurante, ”Director Ejecutivo del Museo Louis Grachos le dijo al sol del desierto en octubre.

El Museo de Brooklyn continúa con un importante proceso de desactivación que tuvo lugar antes de la pandemia. El objetivo es construir una dotación de 40 millones de dólares estadounidenses, con los cuales se pueden generar 2 millones de dólares estadounidenses anualmente para un fondo de recaudación. El museo ha logrado más de la mitad de ese objetivo, dijo un representante del museo por correo electrónico.

El 15 de octubre, el museo recaudó 6,6 millones de dólares de las ventas de Christie, incluida la obra de Lucas Cranach «Lucretia, « eso generó $ 5.1 millones. Postventa a través de Sotheby’s con obras de Jean Dubuffet, Claude Monet, Edgar Degas, Joan Miró y Henri Matisse, así como una colección de objetos de Fabergé. Un representante del museo dijo que no se confirmaron ventas para el próximo año. Sin embargo, como se trata de una acción de desactivación en curso, es probable que vendamos material gráfico adicional a medida que avanza el proceso.

Quizás los planes de desactivación más controvertidos de este año estuvieron vinculados al Museo de Arte de Baltimore, que anunció en octubre que vendería aproximadamente $ 75 millones en arte de su colección, basado en tres obras principales del artista pop Andy Warhol, des El minimalista Brice Marden y el abstracto están anclados en el expresionista Clyfford Still. El Marden y el Still estaban programados para una subasta de Sotheby’s el 28 de octubre, y el lienzo masivo de 1986 de Warhol «Last Supper» se ofreció a través de una venta privada. La venta debe establecer una Fundación para el futuro Esto «proporcionaría fondos para el mantenimiento de la colección y permitiría al museo expandir sus iniciativas programáticas en curso para la diversidad y la equidad al introducir cambios estructurales importantes dentro de la institución y mejorar el acceso a la comunidad».

Caballero argumentado que la BMA puso el carro delante del caballo para encontrar una necesidad y «luego hurgar en su valiosa colección de arte para buscar formas de financiarla». Al hacerlo, el museo «pondría a prueba todas las mejores prácticas para desactivar el arte como si no existieran tales estándares». Los artistas Amy Sherald y Adam Pendleton dimitieron de la junta del museo. Dos ex directores ejecutivos retiraron las donaciones prometidas de 50 millones de dólares en protesta. Dos docenas de seguidores y ex fideicomisarios del museo escribió una carta enojada al Fiscal General y al Secretario de Estado pidiéndoles que dejen de vender.

Apenas dos horas antes del inicio del programa, el museo detuvo la subasta, posiblemente en respuesta a una «aclaración» de la Asociación de Directores de Museos, que indicaba que la política de desactivación revisada no era para el mantenimiento de la colección a largo plazo, sino a corto plazo.

La BMA publicó un comunicado con las palabras: “Nuestra visión y nuestros objetivos no han cambiado. Nos llevará más tiempo llegar allí, pero lo haremos por todos los medios a nuestro alcance. “El museo fue dedicado Coleccionando obras de mujeres artistas en 2020. Más de la mitad de las adquisiciones de este año fueron posibles gracias a la controvertida desactivación de siete obras de Warhol, Rauschenberg, Franz Kline y otros en 2018, según el museo.

La última desactivación se produjo este mes en Long Beach, donde el Museo de Arte Latinoamericano intentó subastar 59 obras de arte de su colección permanente en un esfuerzo por diversificar los artistas en exhibición: su país de origen, género y los materiales con los que trabajan. Un representante dijo que 44 de los 59, aproximadamente el 3,3% de las existencias totales del museo, se habían vendido. Las 44 obras vendidas fueron de artistas masculinos, entre ellos los mexicanos Rafael Coronel y Rodolfo Morales, el brasileño Walter Goldfarb, el cubano Wifredo Lam y el chileno Roberto Matta. Curador jefe de MOLAA Gabriela Urtiaga le dijo al Times que su lista de deseos para adquisiciones incluía trabajos de artistas de Los Ángeles Judy Baca, Pintora brasileña Tarsila do Amaral, artista cubanoamericana Ana Mendieta, La artista colombiana Beatriz González y Frida Kahlo.

La subasta, que recaudó alrededor de $ 200,000 en total, menos que la alta estimación de la subasta de $ 474,000, incluyó alrededor de 80 piezas donadas específicamente para la recaudación de fondos del museo y llevó a Knight a proponer la suya al museo. Diversificar la recogida por medios distintos a la desactivación. «Las colecciones de los museos se fortalecen agregando arte importante», escribió, «no restándolo». La curadora en jefe Gabriela Urtiaga defendió la movida: «El museo es una institución viva y que respira que se adapta a la actualidad».

(function(d, s, id){ var js, fjs = d.getElementsByTagName(s)[0]; if (d.getElementById(id)) {return;} js = d.createElement(s); js.id = id; js.src = "https://connect.facebook.net/en_US/sdk.js"; fjs.parentNode.insertBefore(js, fjs); }(document, 'script', 'facebook-jssdk'));

Deja una respuesta

Tu dirección de correo electrónico no será publicada. Los campos obligatorios están marcados con *