Comentario: «Dante» de Thomas Adès: The LA Phil, Gen X and the Divine


Renuncia a la esperanza, advirtió Dante.

Ahora, 702 años después del estreno de La Divina Comedia, contemos los caminos: el eterno omicrón, el cambio climático, el ruido de sables nucleares.

Han pasado casi exactamente tres años desde que se estrenó «Inferno», maravillosamente anárquico y entretenido de Thomas Adès, una fantástica culminación de la temporada del centenario de la Filarmónica de Los Ángeles. En ese momento, parecía factible encontrar una comedia brillante en nuestras debilidades humanas. El «Infierno» bailado, que se estrenó un mes después en el Pabellón Dorothy Chandler, fue pensado como la primera parte de un ballet completo de «Divina Comedia» coreografiado por Wayne McGregor para el Royal Ballet de Gran Bretaña, y se convirtió en una obra más oscura⁠. Todavía estaba lleno de vivaz descaro, aunque un poco más espeluznante.

Durante el confinamiento, Adès terminó las dos partes finales, Purgatorio y Paradiso, y el Royal Ballet de Londres estrenó la obra completa en octubre pasado como The Dante Project. La partitura orquestal completa, llamada simplemente ‘Dante’ y encargada por LA Phil, tuvo su estreno en concierto el fin de semana pasado como el evento principal del festival Gen X de la orquesta, comisariada por el compositor británico de 51 años.

En el momento esperanzador de la planificación del festival del año pasado, la primavera de 2022 parecía un momento de renovación, cuando finalmente estaríamos más allá de la pandemia, presumiblemente en paz y con la posibilidad de una cooperación global renovada y entusiasta para combatir el calentamiento global. Sabemos cómo terminó todo.

Así se convirtió «Dante» (como se llama la partitura orquestal del ballet completo). En «Inferno», dirigida por Gustavo Dudamel con una vivacidad que pone los pelos de punta, nos encontramos deleitándonos aterradoramente con nuestros ridículos vecinos, políticos, estafadores, los que quieras, llegando a hilarantemente espantosos buenos para nada. En la segunda mitad nos damos cuenta de que la broma es nuestra. La humanidad es lo que estaba en juego para Dante y lo que está en juego para nosotros. «Purgatorio» y «Paradiso» es donde encontramos a nuestros ángeles y no están donde crees que están.

En cada nueva lista de grandes partituras de ballet de Tchaikovsky, Stravinsky, Bartók, Ravel, Prokofiev, Britten y Bernstein, “Dante” debe volver a incluirse simplemente por su invención musical. No hay un segundo en sus 88 minutos que no inspire. Todo esto es inesperado e intencional. Pero lo más inesperado y deseado en este momento es la extraordinaria tarea de Adès de perder la esperanza.

Él marca la pauta con la parodia deliciosamente viciosa de Inferno. Todos esos desviados y adivinos torcidos, papas y glotones retorciéndose en el lodo, egoístas picados eternamente por avispas y ladrones devorados por reptiles no tienen salida. Y, sin embargo, son gloriosos.

Usando a Liszt como un modelo extravagante y continuando alegremente dibujando o transformando a Ravel, Mussorgsky, Dowland y otros, Adès se deleita en su propia extravagancia extraordinaria. Divertida, jajaja y pintoresca, la música de Adès es todo lo que castiga el infierno de Dante. Es el torbellino. Como los adivinos, mira en dos direcciones al mismo tiempo (aquí vieja y nueva). La belleza, la emoción, la imaginación salvaje y la habilidad asombrosa no son juicios morales, sino los caminos de la iluminación artística.

Para la segunda mitad del ballet, Adès prescinde del jolgorio de Liszt. «Purgatorio» se basa en la tradición del cantor sirio. La escena del acercamiento de Dante al purgatorio al amanecer se convierte en la mañana de Jerusalén en la Gran Sinagoga de Ades en la Gloriosa Comunidad de Alepo. Suena como grabar olas en el mar y cantar un cantor, su voz desgastada y atemporal, su espíritu altísimo.

Las grabaciones del cantor y una congregación extasiada guían el ascenso a través de la danza y la oración mientras la orquesta entra en sus propios riffs nerviosos o tristes tipo klezmer. Durante 27 minutos serás transportado a un mundo lejano: la sinagoga es el centro de lo que queda de Siria. avellana estilo de canto. En manos de Adès, es precisamente este transporte de nuestras propias experiencias a un antiguo reino que vale la pena conservar lo que libera al oyente de las expectativas.

Al igual que Purgatorio, Paradiso dura 27 minutos. Toma un avellana melodía y la teje a lo largo de un viaje fuera del cuerpo más allá de la Luna, Mercurio, Venus, Sol, Marte, Júpiter, Saturno y estrellas fijas distantes. No se da ningún carácter particular a los cuerpos estelares. Nosotros somos los que damos vueltas, la música no va a ninguna parte. Sin embargo, en el medio de la nada, es posible que te llene una energía de éxtasis silencioso.

El movimiento y el tiempo se sienten suspendidos en estasis. Los 27 minutos no significan nada. A lo largo de la partitura, la dirección de Dudamel fue más virtuosa que nunca en la actuación del sábado por la noche. Pero lo que resultó ser más impresionante fue la intensidad de esa estasis, la sensación de que esta música provenía de un mago.

La llegada es a Empyrean anunciada por un maestro coral oculto y místico de Los Ángeles. Que el final cliché va más allá de las palabras se convierte en lo último inesperado. El Empíreo mágico es la tierra mundana. Nosotros cambiamos, no eso.

Un director de orquesta y jugadores de orquesta al aire libre.

Jonathan Hepfer dirige el ECHOI en «For George Lewis» de Tyshawn Sorey en Hauser & Wirth.

(Anneliese Varaldiev / Conciertos de los lunes por la noche)

El festival Gen-X en torno a «Dante» fue básicamente una reunión de amigos de Adès. No se ha dicho mucho sobre mi generación por parte de los compositores que se dice que nacieron entre 1965 (el año del éxito de The Who «My Generation») y 1980. En cuanto a los artistas de la Generación X, es «que no hay nada importante».

«¿Quién quiere ser encasillado», concluyó, «ya sea una ‘generación’ o una fecha de inicio y finalización?» Así que jugó un poco con las fechas de nacimiento en ambos extremos.

En la primera noche del festival sin empaquetar, con Adès dirigiendo LA Phil y apareciendo como pianista en un recital posterior al concierto con el violinista Pekka Kuusisto, no había dos obras o compositores iguales.

Podría ser el vigorizante golpeteo orquestal directo de «Nautilus» de Anna Meredith o las simetrías musicales distorsionadas de «Brutal Mirrors» de Felipe Lara, inspiradas en las fotografías de arquitectura soviética de Mauro Restiffe. Las «cariátides» de Veronika Krausa dieron a las figuras femeninas en los pilares de los cimientos de los templos griegos clásicos un timbre carismático, un carácter y un cuerpo sensual que todavía se usan en la actualidad. Francisco Coll modernizó sus propias tradiciones folclóricas y flamencas españolas en Cuatro miniaturas ibéricas para violín y orquesta, con Kuusisto como solista agradablemente extravagante.

Adès le dio a las antiguas danzas inglesas su propio giro maravillosamente caprichoso en su recién orquestada ‘Märchentänze’ (danzas de cuentos de hadas), que también contó con Kuusisto como solista. En un baile, ‘A Skylark’, el violín solista está acompañado por un caos organizado de violines orquestales que imitan a pájaros individuales, que descienden en picado como alondras y luego se van volando, como lo hace Adès en ‘Dante’.

Un segundo programa orquestal, dirigido por Teddy Abrams, incluyó una actuación abrasadora del primer movimiento de la hilarantemente tonta «Play» de Andrew Norman y una interpretación amorosa del gentil cazador de fantasmas «Stories From Home» de Jonathan Bailey Holland, una oda a una sala de conciertos de Cincinnati.

Salí del concierto matinal de este domingo durante el intermedio (la segunda mitad fue la Sinfonía n.° 1 de John Corigliano, de 84 años) y me dirigí al Distrito de las Artes para el estreno en la costa oeste de Gen Xer Tyshawn Sorey’s For George Lewis». Granja Hauser & Wirth. Esto fue parte de un concierto gratuito el lunes por la noche en un raro concierto del domingo por la tarde que se llevó a cabo junto con la exhibición Recapturing Memories of the Black Ark de Gary Simmons, para la cual la partitura de Holland también habría sido relevante.

La partitura de orquesta de cámara de 50 minutos de Sorey se mueve con una deliberación lenta, exquisita y poco convencional de Gen-X. Irónicamente, fue escrita y grabada por el grupo de música nueva con sede en Nueva York Alarm Will Sound, que estaban interpretando a otros dos compositores de la Generación X en un programa posterior al concierto de LA Phil en Disney casi al mismo tiempo.

En Hauser & Wirth, por otro lado, Jonathan Hepfer dirigió el conjunto ECHOI con una exuberancia inquebrantable. Eso fue al aire libre. El sol caía a plomo y el espacio de sombra era limitado y disputado. El restaurante del patio era ruidoso. Sin embargo, esta lenta nada parecía inesperada y especialmente iluminada, como si estuviera en casa en el mundo de Adès.

En agosto, Sorey y Adès serán los principales compositores del Festival de Lucerna y compartirán programa. Con Gen X, ningún gran problema puede ser un gran problema.



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